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Contrat de Concert
Ce contrat de concert est conçu pour les artistes indépendants qui jouent en salle, festival, bar ou événement privé. Il couvre le cachet, les conditions techniques (son, lumières, loge), les droits d'image, les clauses d'annulation et les assurances. Un document complet pour sécuriser chaque prestation scénique.
Pourquoi utiliser un contrat de concert ?
Un contrat écrit protège l'artiste ET l'organisateur. Il fixe le cachet, les horaires, le matériel technique fourni et les conditions d'annulation. Sans contrat, les litiges (retard de paiement, matériel manquant, annulation de dernière minute) sont difficiles à régler. Ce modèle couvre les points essentiels d'une prestation scénique en France.
Ce que contient ce modèle de contrat
Identification des parties (artiste et organisateur), description détaillée de la prestation (date, lieu, horaires, durée du set), montant du cachet et modalités de paiement (acompte 30%, solde avant le show), conditions techniques (sonorisation, éclairage, loge, restauration), droits d'image et propriété intellectuelle, clauses d'annulation et de force majeure, assurances et responsabilité civile, espaces de signature pour les deux parties.
Comment remplir ce contrat ?
Remplissez les champs prévus : nom de scène, email, organisateur, date, lieu, montant du cachet. Les autres champs (SIRET, adresse, horaires précises) peuvent être complétés à la main ou à l'ordinateur. Imprimez deux exemplaires — un pour vous, un pour l'organisateur. Faites signer avant le versement de l'acompte.
À qui s'adresse ce contrat ?
Musiciens, chanteurs, groupes, DJ, danseurs, humoristes et tout artiste qui se produit en public contre rémunération. Que vous jouiez en petite salle, en festival ou en événement privé, ce contrat s'adapte à votre situation.
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Contrat de Prestation Artistique
Ce contrat de prestation artistique couvre tous les types d'événements : mariage, soirée corporate, festival, bar, événement privé. Il inclut une grille de tarification détaillée (cachet, frais de déplacement, hébergement, restauration, matériel), les conditions de paiement, les droits d'auteur et d'image, ainsi que les clauses d'annulation adaptées à chaque délai.
Un contrat pour tous types d'événements
Contrairement au contrat de concert (centré sur la scène), ce modèle couvre les prestations variées : animation mariage, concert en entreprise, soirée privée, animation bar. Chaque type d'événement a ses spécificités — ce contrat les prend en compte avec des champs adaptés.
Tarification transparente
Le modèle inclut une table détaillée : cachet de base, frais de déplacement (kilométrage), hébergement, restauration, matériel supplémentaire, TVA 20% si applicable. Le client voit exactement ce qu'il paie — et vous justifiez chaque poste.
Conditions d'annulation protectrices
Le modèle prévoit une échelle d'annulation : plus de 60 jours (remboursement intégral), 30-60 jours (acompte conservé), moins de 30 jours (totalité due). Cela protège votre revenu face aux annulations de dernière minute, très fréquentes dans l'événementiel.
Droits d'auteur et droits d'image
Vous conservez vos droits d'auteur sur vos créations. Le client ne peut pas exploiter commercialement les captations sans accord écrit. Inversement, vous pouvez utiliser photos et vidéos de la prestation à des fins promotionnelles, sauf objection du client.
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Fiche Technique (Rider)
Cette fiche technique (rider) est le document indispensable pour tout artiste qui monte sur scène. Elle détaille vos besoins en son (micros, console, retours), en lumières, la configuration scénique, le timing de la journée et les exigences backstage. Envoyez-la aux techniciens et régisseurs — plus de mauvaises surprises au soundcheck.
Pourquoi envoyer un rider ?
Sans fiche technique claire, le technicien de la salle ne sait pas quels micros vous utilisez, combien de retours vous avez besoin, ni comment vous êtes placés sur scène. Résultat : un soundcheck stressant, un son médiocre, une prestation bâclée. Un rider professionnel évite ça et montre que vous prenez votre métier au sérieux.
Configuration scénique et sonore
Le modèle inclut : placement des musiciens sur scène, liste des micros par instrument/voix (chant lead, chœurs, guitares, basse, batterie, claviers), console et retours de scène, retours in-ear, effets demandés (réverb, delay, compression). Vous cochez ou complétez selon vos besoins réels.
Lumières et timing
La partie lumières couvre : éclairage de base, ambiances colorées, spots suivis, effets spéciaux, programmation DMX. Le timing de la journée détaille chaque étape : arrivée, montage, soundcheck, repas, ouverture au public, show, bis, démontage. Le régisseur sait exactement quand vous arrivez et ce dont vous avez besoin.
Backstage et loge
La partie loge précise : espace privé ou partagé, type de restauration, allergies, besoins en sanitaires (douche, WC), accès Wi-Fi. Ces détails paraissent anodins mais font la différence entre une journée fluide et une journée galère.
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Devis Artiste
Ce devis artiste est votre passeport pour des prestations payées au bon tarif. Il présente votre structure, détaille chaque prestation avec quantité et prix unitaire, calcule le total H.T., la TVA et le T.T.C., et précise les conditions de paiement (acompte 30%, solde jour J). Un document qui rassure le client et valorise votre professionnalisme.
Un devis qui valorise votre travail
Un devis mal fait (prix flou, pas de détail, pas de conditions) donne l'impression d'un amateur. Ce modèle structure chaque ligne : cachet de base, frais de déplacement, hébergement, matériel, restauration. Le client comprend ce qu'il paie — et vous justifiez votre tarif.
TVA et facturation
Le modèle sépare H.T. et T.V.A. (20%) pour les artistes assujettis. Il inclut les champs IBAN/BIC pour le virement, la date d'émission et la validité du devis (30 jours). Une fois signé et accompagné de l'acompte, le devis devient un contrat de prestation.
Personnalisation facile
Remplissez votre nom ou structure, SIRET, coordonnées client, type d'événement, date et lieu. Les lignes de prestations s'adaptent : ajoutez ou retirez des lignes selon ce que vous proposez. Le cachet H.T. est le prix de base — vous ajoutez les frais ensuite.
Pour qui ?
Musiciens solos, groupes, chanteurs, DJ, artistes de rue, danseurs, troupes, humoristes — tout artiste qui facture une prestation. Que vous soyez auto-entrepreneur, micro-entreprise ou société, ce devis s'adapte à votre statut.
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Cession de Droits
Ce contrat de cession partielle couvre la transmission de droits d'auteur à un éditeur, label ou producteur. Il détaille les droits cédés (reproduction, représentation, synchronisation), la répartition des revenus (streaming, mécanique, synchro), l'avance et le minimum garanti, la durée de la cession et la réversion en cas de non-exploitation. Un document critique — faites-le relire par un avocat avant signature.
Pourquoi céder des droits ?
Céder partiellement ses droits à un éditeur ou label peut accélérer votre carrière : ils gèrent la promotion, le placement, les licences. Mais attention : une mauvaise cession vous prive de revenus pendant des années. Ce modèle protège le cédant (artiste) avec des clauses de réversion et une répartition équitable.
Droits cédés et territoire
Le modèle liste chaque type de droit avec case à cocher : reproduction (streaming, téléchargement), représentation (concerts), communication au public (radio, TV), distribution, synchronisation (films, pubs, jeux). Vous choisissez ce que vous cédez. Le territoire (monde, France, Europe) et la durée sont négociables.
Répartition des revenus
La table de répartition couvre : streaming, synchronisation, revenus mécaniques (CD/vinyle), représentation. Le pourcentage cédant/cessionnaire est à négocier. Typiquement : 50/50 pour l'édition, 70/30 ou 80/20 pour la production selon l'avance.
Avance et réversion
L'avance sur revenus est versée à la signature. Le minimum garanti assure un revenu minimal par an. La clause de réversion : si l'œuvre n'est pas exploitée pendant X mois, les droits reviennent automatiquement au cédant. C'est votre bouée de sauvetage face à un label inactif.
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Note d'Intention
La note d'intention est votre carte de visite artistique auprès des professionnels : labels, bookers, programmateurs de festival, attachés de presse. Elle résume qui vous êtes, votre projet actuel, votre vision artistique, votre public cible et vos objectifs. Un document court (2-3 pages) mais dense qui doit donner envie d'en savoir plus.
Pourquoi une note d'intention ?
Les pros reçoivent des dizaines de propositions par jour. Un email long et confus part directement à la corbeille. Une note d'intention structurée, avec les bonnes infos au bon endroit, montre que vous êtes organisé et que vous avez un projet cohérent. C'est votre première impression — autant qu'elle soit bonne.
10 sections pour convaincre
1. Présentation (nom, genre, localisation) — 2. Biographie courte (150-200 mots) — 3. Influences (artistes, films, expériences) — 4. Public cible (âge, intérêts, plateformes) — 5. Projet actuel (titre, type, date de sortie) — 6. Vision artistique (ce qui vous motive) — 7. Objectifs de carrière (court et moyen terme) — 8. Besoins et attentes (que recherchez-vous chez ce partenaire) — 9. Liens et ressources (Spotify, clips, réseaux) — 10. Contact.
La biographie : cœur de la note
Votre bio doit raconter une histoire : parcours, étapes clés, collaborations, ce qui vous différencie. Pas un CV froid — une narration qui donne envie de vous écouter. 150 à 200 mours max. Mentionnez votre formation, vos influences et votre projet actuel.
Public cible et données
Décrivez votre audience idéale : tranche d'âge, centres d'intérêt, villes. Si vous avez des données (followers Spotify, écouteurs mensuels, ville top), mentionnez-les. Les pros aiment les chiffres — ça prouve que vous avez déjà une base.
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Contrat de Management
Ce contrat de management définit la relation entre un artiste et son manager. Il précise la commission (généralement 15-20%), les obligations réciproques, le territoire couvert, les dépenses autorisées et les conditions de résiliation. Un document indispensable pour éviter les malentendus financiers et structurer la carrière de manière professionnelle.
Pourquoi un contrat de management ?
Sans contrat écrit, la relation artiste-manager repose sur la confiance — qui peut se briser rapidement face aux questions d'argent. Combien perçoit le manager ? Sur quels revenus ? Pendant combien de temps ? Qui paie les frais ? Ce modèle répond à toutes ces questions et protège les deux parties.
Commission et revenus soumis
Le modèle précise le taux de commission (typiquement 15-20% en France) et les revenus sur lesquels elle s'applique : cachets, édition, production, synchronisation, merchandising. Il définit aussi les revenus exclus (SACEM directe, formations) pour éviter les disputes.
Obligations réciproques
Le manager doit agir dans l'intérêt de l'artiste, rendre compte trimestriellement, maintenir la confidentialité. L'artiste doit informer le manager de ses démarches, ne pas conclure de contrats seul, fournir les éléments de promotion. Chaque partie sait ce qu'on attend d'elle.
Durée et résiliation
Le contrat précise la durée initiale (2-3 ans généralement), le renouvellement, les préavis et les conditions de résiliation. La clause post-résiliation garantit au manager sa commission sur les contrats qu'il a négocié, pour une période de 6-12 mois après la fin du mandat.
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Contrat de Co-Édition
Ce contrat de co-édition couvre la relation entre un auteur-compositeur et un co-éditeur (label ou éditeur). Il précise la répartition des parts éditoriales, les droits cédés (reproduction, représentation, synchronisation), le territoire, la durée, l'avance et la réversion. Indispensable pour tout artiste qui partage ses droits d'édition.
Qu'est-ce que la co-édition ?
La co-édition est un partage des droits d'édition entre l'auteur et un éditeur. L'éditeur gère la promotion, les licences et les placements synchronisés. En échange, il perçoit une part des revenus éditoriaux. La co-édition est différente de la cession totale : l'auteur conserve une part significative et le contrôle sur son œuvre.
Parts éditoriales et répartition
Le modèle définit clairement la part du co-éditeur et celle de l'auteur. Typiquement : 50/50 pour la co-édition, mais c'est négociable selon l'avance, la notoriété de l'artiste et les engagements de promotion de l'éditeur. La répartition s'applique à tous les revenus : streaming, ventes physiques, synchronisation, représentation.
Obligations du co-éditeur
L'éditeur s'engage à promouvoir l'œuvre, gérer les demandes de synchronisation, rendre compte trimestriellement des revenus et verser les royalties dans les délais convenus. Ces obligations sont contractuelles — l'auteur peut réclamer des comptes en cas de manquement.
Réversion et droit moral
Le modèle inclut une clause de réversion : si l'éditeur n'exploite pas l'œuvre pendant X mois, les droits reviennent automatiquement à l'auteur. Le droit moral (paternité et intégrité) est conservé par l'auteur — toute modification de l'œuvre nécessite son accord écrit préalable.
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Attribution de Royalties
Ce modèle d'accord définit la répartition des royalties entre co-auteurs, co-compositeurs ou membres d'un groupe. Il couvre les revenus streaming, mécaniques, de synchronisation et de représentation. Un document indispensable pour éviter les conflits financiers au sein d'un groupe ou entre collaborateurs.
Pourquoi un accord de répartition ?
Beaucoup de groupes et collaborations se séparent à cause de disputes sur l'argent. Qui a écrit quoi ? Qui perçoit combien ? Sans accord écrit, chaque co-auteur peut réclamer une part égale — même s'il n'a pas contribué de la même manière. Ce modèle fixe les règles avant que les problèmes n'arrivent.
Mécanismes de répartition
Le modèle propose plusieurs mécanismes : parts égales (25% chacun pour un groupe de 4), répartition selon la contribution (plus tu écris, plus tu perçois), ou répartition fixe négociée. Le mécanisme choisi s'applique à toutes les œuvres créées ensemble, sauf accord contraire pour un titre spécifique.
Modalités de perception
Les royalties sont collectées par la SACEM ou l'organisme de gestion collective compétent. Chaque co-auteur perçoit sa part directement sur son compte. Un rapport trimestriel est partagé entre les parties. En cas de distribution directe (Bandcamp, merch), les revenus sont partagés selon le même mécanisme.
Départ d'un membre et nouvelles créations
En cas de départ d'un co-auteur, ses droits sur les œuvres déjà créées restent inchangés. Pour les œuvres futures, un nouvel accord doit être signé. Cela protège à la fois le membre partant (qui conserve ses droits) et le groupe (qui peut continuer sans litige).
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Contrat de Production Musicale
Ce contrat de production couvre la relation entre un artiste et un producteur pour l'enregistrement d'un album ou d'un EP. Il précise le budget, la répartition des droits sur les masters, les livrables attendus, les délais et les obligations de chaque partie. Indispensable pour toute production studio professionnelle.
Pourquoi un contrat de production ?
Sans contrat écrit, les relations artiste-producteur peuvent mal tourner : qui paie le studio ? Qui possède les masters ? Combien de révisions de mixage sont incluses ? Qui gère les revenus ? Ce modèle répond à ces questions et protège les deux parties tout au long du processus de production.
Budget et financement
Le modèle inclut une table détaillée du budget : coûts studio, musiciens de session, mixage, mastering, visuels, distribution. Il précise qui apporte quoi (avance artiste, avance producteur) et comment les coûts sont récupérés sur les revenus futurs.
Répartition des droits et revenus
La répartition des droits sur les masters est négociée : 50/50, 70/30 ou autre selon les apports. Le modèle couvre aussi la répartition des revenus par type (streaming, ventes, synchronisation, concerts) pour éviter toute ambiguïté.
Livrables et délais
Le producteur s'engage à livrer des masters de qualité professionnelle (WAV 24 bits, MP3 320 kbps) dans les délais convenus. Le modèle précise le nombre de révisions de mixage incluses, la livraison des stems et la documentation technique (crédits, ISRC, métadonnées).
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Contrat de Travail Danseur — CCNSPSV
Ce contrat de travail est spécifiquement conçu pour les danseurs intermittents du spectacle vivant. Il respecte les tarifs minimums de la Convention Collective Nationale du Spectacle Vivant Privé (CCNSPSV) : 120,44 € brut pour une répétition, 176,45 € brut pour une représentation, 235,62 € brut minimum pour une création. Le modèle inclut les clauses obligatoires du CDD d'usage, la déclaration au GUSO, et les conditions de cumul avec l'auto-entrepreneur.
Pourquoi un contrat CCNSPSV ?
Le CCNSPSV est la convention collective qui régit les relations de travail dans le spectacle vivant privé. Tout employeur de danseurs est tenu d'y souscrire. Sans contrat conforme, le danseur perd ses droits à l'intermittence, sa protection sociale (Sécurité sociale, retraite, chômage) et son affiliation à la mutuelle Audiens. Ce modèle protège le danseur ET l'employeur en respectant la loi française.
Les tarifs minimums CCNSPSV 2026
Le modèle intègre automatiquement les montants légaux : répétition à 120,44 € brut, représentation à 176,45 € brut, création chorégraphique à 235,62 € brut minimum. Vous ne pouvez légalement accepter un cachet inférieur. Le modèle inclut aussi les majorations pour heures supplémentaires, travail de nuit et dimanches/fériés selon la convention.
CDD d'usage et intermittence
Le contrat est un CDD d'usage (CDDU) caractéristique du spectacle vivant. Il précise la durée, le nombre d'heures, le lieu, les dates de répétition et de représentation. Chaque CDDU ouvre des droits à l'intermittence du spectacle si le danseur atteint les 507 heures sur 12 mois. Le modèle rappelle les démarches à effectuer : inscription au GUSO, déclaration à l'URSSAF, affiliation à la caisse des congés spectacles.
Protection sociale du danseur
Le modèle liste les cotisations obligatoires prises en charge par l'employeur : Sécurité sociale, retraite complémentaire Agirc-Arrco, assurance chômage, mutuelle Audiens, prévoyance. Il précise aussi les conditions d'arrêt maladie, les indemnités journalières, et la procédure en cas d'accident de travail sur scène ou en répétition.
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Contrat de Prestation Chorégraphique
Ce contrat de prestation chorégraphique est destiné aux chorégraphes qui créent des pièces pour des compagnies, des spectacles ou des événements. Il couvre la cession des droits sur la chorégraphie, la rémunération du chorégraphe (cachet de création, droits de répétition, royalties de représentation), les conditions de mise en scène, le nombre de danseurs, la durée de la pièce et la propriété intellectuelle de l'œuvre chorégraphique. Un document essentiel pour protéger la création et valoriser le travail du chorégraphe.
Pourquoi un contrat de chorégraphie ?
La création chorégraphique est une œuvre intellectuelle protégée par le Code de la propriété intellectuelle. Sans contrat écrit, le chorégraphe risque de perdre le contrôle sur son œuvre, de ne pas être rémunéré pour les reprises, ou de voir sa chorégraphie modifiée sans son accord. Ce modèle formalise la relation entre le chorégraphe et le producteur/employeur.
Répartition des droits et rémunération
Le modèle précise la cession des droits : le chorégraphe peut céder les droits de représentation tout en conservant son droit moral (paternité et intégrité). La rémunération se décompose en : cachet de création (montant forfaitaire), droits de répétition (par séance), royalties de représentation (pourcentage sur les recettes ou forfait par représentation).
Conditions de création et de représentation
Le modèle détaille les conditions de travail : nombre de danseurs, durée des répétitions, dates et lieux, matériel technique nécessaire, costumes, éclairage et son. Il précise aussi les conditions de stockage et de transmission de la chorégraphie (vidéo, notation, transmission aux danseurs).
Reprises et droits futurs
Le modèle inclut une clause de reprise : si le spectacle est rejoué dans le futur, le chorégraphe perçoit une rémunération complémentaire. La clause de réversion prévoit que les droits reviennent au chorégraphe si le spectacle n'est pas représenté pendant un certain nombre de mois.
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Fiche Technique Spectacle Danse (Rider)
Ce rider technique est spécialement conçu pour les spectacles de danse contemporaine, classique, hip-hop ou de rue. Il détaille les besoins en scène (surface minimale, type de sol, tapis de danse), les exigences d'éclairage (spots, washes, projecteurs), les besoins sonores (musique de scène, micros sans fil), les vidéo-projections, le timing des répétitions et représentations, les loges et les conditions de stockage du matériel. À envoyer aux salles et régisseurs pour garantir des conditions optimales.
Pourquoi un rider spécifique danse ?
Les spectacles de danse ont des besoins techniques très différents des concerts musicaux. Le sol doit être adapté (parquet lisse, tapis de danse, Marley), l'éclairage doit mettre en valeur le mouvement sans éblouir les danseurs, et l'espace scénique doit être suffisant pour la configuration chorégraphique. Sans fiche technique précise, le spectacle risque d'être bâclé.
Configuration scénique
Le modèle précise : surface minimale de la scène (largeur x profondeur), type de sol requis, hauteur sous plafond, accès à la scène (rampe, monte-charge), espace de chauffe en coulisse, nombre de barres de côté nécessaires. Chaque compagnie a ses propres besoins — ce modèle les structure clairement.
Éclairage et son
La partie éclairage couvre : éclairage général de scène, spots suivis pour les solistes, washes colorés, projecteurs LED, gobos, lumière noire si nécessaire. La partie son couvre : système de diffusion pour la musique de scène, micros sans fil pour les voix (si applicable), retours de scène, console de mixage.
Loges et backstage
Le modèle détaille les besoins en loge : nombre de loges nécessaires, espace minimum, miroirs, barres d'étirement, chauffage, sanitaires (douche, WC), accès Wi-Fi. Pour les tournées, il précise aussi les besoins en stockage du matériel, en transport et en hébergement.
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Note d'Intention Chorégraphique
Cette note d'intention chorégraphique est le document indispensable pour soumettre un projet de spectacle de danse aux programmateurs de festival, aux directeurs de salle, aux financeurs et aux partenaires institutionnels. Elle présente la vision artistique, l'univers de la pièce, les thèmes abordés, le nombre de danseurs, la durée, les besoins techniques et le parcours du chorégraphe. Un document structuré qui doit donner envie de programmer le spectacle.
Pourquoi une note d'intention chorégraphique ?
Les programmateurs de festival et les directeurs de salle reçoivent des centaines de dossiers par an. Un dossier mal structuré, confus ou incomplet part directement à la corbeille. Une note d'intention professionnelle montre que le chorégraphe a un projet abouti, une vision claire et une organisation sérieuse. C'est la première étape pour être programmé.
La vision artistique et l'univers
Le cœur de la note est la description de la vision artistique : quels thèmes la pièce aborde-t-elle ? Quel univers visuel et sonore ? Quelles sont les influences (artistiques, cinématographiques, littéraires) ? Cette section doit être poétique mais précise, donnant une image mentale claire du spectacle au lecteur.
Spécifications techniques et casting
Le modèle structure les données techniques : nombre de danseurs, durée de la pièce, surface de scène requise, besoins en éclairage et son, costumes et accessoires. Il inclut aussi une fiche artistique du chorégraphe (parcours, formations, collaborations, distinctions) et des photos ou liens vers des extraits vidéo.
Public cible et programmation
Décrivez le public visé : tout public, jeune public, public averti. Mentionnez les festivals et salles où la pièce a déjà été jouée, les retours de la presse et du public, et les dates de tournée prévues. Les programmateurs aiment les projets qui ont déjà fait leurs preuves.
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Contrat de Jeu Théâtre — Cession d'Image & Droits
Ce contrat de jeu théâtre est spécifiquement conçu pour les comédiens, comédiennes, metteurs en scène et troupes de théâtre. Il couvre la cession des droits d'image et d'interprétation pour captation vidéo, diffusion et rediffusion, la rémunération avec cachet minimum conforme au statut d'artiste-interprète et d'intermittent du spectacle, les conditions de répétition et représentation, et les clauses de répétition économique. Adapté aux conventions du spectacle vivant théâtral.
Pourquoi un contrat de théâtre spécifique ?
Le théâtre est un art vivant où le comédien est à la fois créateur et interprète. Sans contrat écrit, les droits d'image peuvent être exploités sans accord (captation, diffusion, streaming), le cachet peut être inférieur aux minima légaux, et les conditions de travail ne sont pas garanties. Ce modèle protège le comédien en formalisant chaque aspect de la relation avec la compagnie ou l'employeur.
Cession des droits d'image et d'interprétation
Le modèle précise les droits cédés : captation vidéo de la représentation, diffusion en salle, rediffusion (TV, streaming), utilisation promotionnelle. Le comédien conserve son droit moral et peut négocier une rémunération complémentaire pour chaque type d'exploitation. Les clauses de durée et de territoire sont explicitement définies.
Rémunération et statut d'intermittent
Le modèle intègre les minima conventionnels du spectacle vivant pour les répétitions et les représentations. Il précise le type de contrat (CDD d'usage, CDI temps partiel), le nombre d'heures, les indemnités de congés payés (10%), l'indemnité de fin de contrat (10%), et les conditions d'affiliation au régime des intermittents du spectacle (GUSO, URSSAF).
Conditions de répétition et représentation
Le modèle détaille les horaires de répétition, le lieu de travail, les conditions techniques (éclairage, son, accessoires), les costumes et maquillage (fournis par qui ?), les temps de repos minimums (11h entre deux jours), et les clauses de répétition économique (rémunération des répétitions supplémentaires).
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Contrat de Prestation Cirque — Équilibriste, Acrobate, Clown
Ce contrat de prestation cirque est destiné aux artistes du cirque : équilibristes, acrobates, jongleurs, clowns, trapézistes et artistes aériens. Il couvre les clauses de sécurité et de prise de risque avec décharge, la description des numéros et disciplines, les tarifs minimums du spectacle vivant, les conditions techniques (structure, matériel, hauteur sous plafond), et les assurances obligatoires (responsabilité civile professionnelle, accident du spectacle). Adapté aux spécificités du travail aérien et acrobatique.
Pourquoi un contrat spécifique au cirque ?
Le cirque est une discipline à haut risque où la sécurité est primordiale. Un artiste de cirque travaille avec des hauteurs, du matériel lourd et des mouvements acrobatiques qui exposent à des accidents. Sans contrat écrit, l'artiste n'a aucune garantie sur les conditions de sécurité, les assurances, ni la rémunération. Ce modèle formalise la relation et protège l'artiste sur tous ces points.
Sécurité et prise de risque
Le modèle inclut une clause de décharge de responsabilité limitée : l'artiste reconnaît les risques inhérents à sa discipline, mais l'organisateur s'engage à fournir des conditions de sécurité optimales. Les points d'ancrage, les structures de suspension, les tapis de réception et le matériel certifié sont explicitement listés. L'organisateur doit fournir une attestation d'assurance RC et un plan de secours.
Conditions techniques spécifiques
Le modèle détaille les besoins techniques propres à chaque discipline : hauteur sous plafond minimum (trapèze, tissu, cerceau), surface de jeu (jonglage, équilibre), points d'ancrage et structure de suspension, type de sol (mousse, tapis, parquet), éclairage adapté aux numéros aériens, son pour la musique de scène, et espace de chauffe en coulisse.
Assurances et responsabilité
Le modèle précise les assurances obligatoires : responsabilité civile professionnelle de l'organisateur (minimum 5M€ recommandé pour les numéros aériens), assurance accident du spectacle pour l'artiste, assurance dommages-ouvrage pour le matériel. L'artiste doit fournir son attestation d'assurance RC et son certificat médical de non-contre-indication à la pratique acrobatique.
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Fiche Technique Spectacle Cirque (Rider)
Ce rider technique est spécialement conçu pour les spectacles de cirque contemporain, traditionnel et de rue. Il détaille la surface de jeu nécessaire (carré de sable, chapiteau, salle polyvalente), la hauteur sous plafond requise pour les numéros aériens (trapèze, tissu, cerceau), les points d'ancrage et structures de suspension, les besoins sonores et lumineux spécifiques, l'accès pour le montage et le démontage, et les conditions de sécurité (homologation du matériel, présence d'un régisseur, plan de secours). À envoyer aux salles, mairies et organisateurs avant chaque spectacle.
Pourquoi un rider spécifique au cirque ?
Les spectacles de cirque ont des besoins techniques radicalement différents des concerts ou des pièces de théâtre. La hauteur sous plafond, les points d'ancrage au sol et au plafond, la résistance des structures et la surface de jeu sont des éléments critiques. Sans fiche technique précise, le spectacle ne peut pas se produire en sécurité. Ce modèle structure tous les besoins techniques pour une communication claire avec les régisseurs.
Configuration de la scène et espace de jeu
Le modèle précise : surface minimale de jeu (largeur x profondeur), hauteur sous plafond minimum selon les disciplines (jonglage : 4m minimum, trapèze : 7-10m, tissu aérien : 6-8m), type de sol (béton lisse, parquet, moquette, sable), accès pour le matériel (porte largeur minimum, monte-charge), et espace de chauffe en coulisse (minimum 3m x 3m).
Points d'ancrage et structures de suspension
Pour les numéros aériens, le modèle détaille : nombre de points d'ancrage nécessaires, charge maximale par point (minimum 500kg recommandé), type d'ancrage (anneau, poutre, structure autoportée), homologation du matériel (certificat CE, norme EN 1176), et présence obligatoire d'un régisseur technique qualifié pendant le montage et les représentations.
Éclairage, son et timing
La partie éclairage couvre : éclairage général de scène, spots suivis pour les solistes, lumières d'ambiance et d'effets, éclairage de sécurité des issues. La partie son couvre : système de diffusion pour la musique de scène, micro sans fil pour les clowns et présentateurs, retours de scène. Le timing détaille : arrivée, montage, répétition, repas, ouverture au public, spectacle, démontage.
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Contrat de Prestation Stand-up & Humour
Ce contrat de prestation stand-up est dédié aux humoristes, comédiens de stand-up, one-man show, one-woman show et artistes de scène humoristique. Il couvre la rémunération avec échelle de tarification (ouverture, mi-parcours, tête d'affiche), les droits d'auteur sur les textes et sketches, la cession des droits de captation et de diffusion (streaming, TV), les clauses d'exclusivité territoriale et de répétition, et les conditions techniques minimales (micro, sonorisation, éclairage, scène). Un document essentiel pour tout humoriste qui monte sur scène.
Pourquoi un contrat spécifique au stand-up ?
Le stand-up est un art solo où l'humoriste est à la fois auteur, compositeur (de sa propre musique verbale) et interprète. Ses textes sont sa propriété intellectuelle. Sans contrat, ses sketches peuvent être filmés et diffusés sans son accord, son cachet peut varier d'une salle à l'autre sans logique, et ses droits d'auteur ne sont pas protégés. Ce modèle structure la relation humoriste-organisateur de manière équitable.
Échelle de tarification et cachet
Le modèle propose une échelle de tarification claire : ouverture (débutant, warm-up), mi-parcours (artiste confirmé), tête d'affiche (artiste établi), one-man/one-woman show (spectacle complet). Chaque niveau a un cachet minimum indicatif. Le modèle inclut aussi les frais de déplacement, l'hébergement et la restauration si l'humoriste vient de loin.
Droits d'auteur sur textes et sketches
L'humoriste est l'auteur de ses textes et conserve l'intégralité de ses droits d'auteur. Le modèle précise que toute captation audio ou vidéo de la prestation nécessite l'accord écrit préalable de l'humoriste. En cas de diffusion (TV, streaming, réseaux sociaux), une rémunération complémentaire est négociée. Les sketches ne peuvent pas être réutilisés par l'organisateur sans autorisation.
Exclusivité territoriale et répétition
Le modèle inclut une clause d'exclusivité territoriale : l'organisateur peut demander que l'humoriste ne se produise pas dans un rayon de X km pendant Y jours avant/après le spectacle. La clause de répétition prévoit que l'humoriste perçoit un cachet réduit ou un pourcentage en cas de reprise du spectacle dans la même salle ou région.
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Contrat de Prestation Mime & Art du Geste
Ce contrat de prestation est spécifiquement conçu pour les artistes de mime, pantomime et art du geste. Il couvre la cession des droits d'interprétation pour captation vidéo et diffusion, le cachet minimum conforme au spectacle vivant, les conditions de répétition et représentation en espace scénique ou extérieur, les clauses de silence sonore (absence de micro/casque), et les spécificités du costume (blanc classique ou personnalisé). Un document essentiel pour tout artiste non verbal qui se produit en public.
Pourquoi un contrat spécifique au mime ?
Le mime est un art non verbal où le corps et le geste remplacent la parole. Sans contrat écrit, l'artiste risque de voir sa performance filmée et diffusée sans son accord, son cachet minimisé, ou ses conditions techniques ignorées (absence de lumière adaptée, espace de jeu trop petit). Ce modèle formalise la relation mime-organisateur en couvrant les spécificités uniques de cette discipline.
Cession des droits d'interprétation
Le mime est un interprète au sens du Code de la propriété intellectuelle. Le modèle précise les droits cédés : captation vidéo, diffusion en salle, rediffusion TV/streaming, utilisation promotionnelle. Le mime conserve son droit moral et peut négocier une rémunération complémentaire pour chaque type d'exploitation.
Conditions de répétition et représentation
Le modèle détaille les besoins spécifiques : espace de jeu suffisant pour le mouvement, éclairage sans éblouissement, sol lisse et non glissant, absence de bruit parasite, espace de chauffe en coulisse. Pour les représentations en extérieur, il précise les conditions météo et la présence d'un abri.
Costume et silence sonore
Le modèle inclut une clause sur le costume : fourni par l'artiste ou l'organisateur, type (blanc classique, noir, personnalisé), entretien. La clause de silence sonore précise qu'aucun micro ni casque n'est requis, et que l'organisateur s'engage à minimiser les bruits de fond pendant le spectacle.
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Contrat de Prestation Magie & Illusion
Ce contrat de prestation est destiné aux magiciens, illusionnistes, mentalistes et close-up magicians. Il couvre la cession des droits de performance pour captation et diffusion, une clause de confidentialité essentielle sur les méthodes magiques, le matériel de scène et de proximité (cartes, foulards, boîtes à secrets), les conditions d'accès aux tables et espaces clos pour le close-up, et la rémunération adaptée au type de spectacle (close-up, scène, grand illusion). Un document indispensable pour protéger les secrets de l'art magique.
Pourquoi un contrat spécifique à la magie ?
La magie est une discipline où les secrets sont le cœur de l'art. Sans contrat, un magicien peut voir ses méthodes filmées et diffusées publiquement, son matériel endommagé par une manipulation inadaptée, ou son cachet ne pas refléter la complexité de ses numéros. Ce modèle inclut une clause de confidentialité incontournable qui protège les secrets professionnels du magicien.
Clause de confidentialité sur les méthodes
Le modèle inclut une clause stricte : l'organisateur et son personnel s'engagent à ne pas filmer, photographier ou divulguer les méthodes et techniques utilisées par le magicien. En cas de fuite, des dommages et intérêts sont prévus. Cette clause est spécifique à la magie et n'apparaît dans aucun autre contrat artistique.
Matériel et conditions techniques
Le modèle détaille le matériel apporté par le magicien (cartes, foulards, boîtes, accessoires de scène) et celui fourni par l'organisateur (table, éclairage, son). Pour le close-up, il précise l'accès aux tables, la proximité avec le public, et les conditions de manipulation des objets. Pour la scène, il couvre les besoins en éclairage, son et espace.
Rémunération et types de spectacle
Le modèle propose une tarification adaptée : close-up (tarif horaire ou par table), magie de scène (cachet forfaitaire), grandes illusions (cachet majoré incluant assistant et matériel). Les frais de déplacement, l'hébergement et la restauration sont aussi précisés pour les tournées.
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Contrat de Prestation Artiste de Rue
Ce contrat de prestation est conçu pour les artistes de rue : musiciens ambulants, danseurs de rue, jongleurs, statues vivantes, marionnettistes et performeurs de rue. Il inclut les autorisations municipales requises, la fixation du lieu de prestation (place, marché, zone piétonne), la cession des droits d'image pour captation par le passant, les conditions météorologiques avec clause d'annulation pluie, les rémunérations fixes ou à la pioche (données libres + cachet minimum), et les responsabilités civiles spécifiques à l'espace public. Un document essentiel pour tout artiste qui se produit dans la rue.
Pourquoi un contrat pour l'artiste de rue ?
L'artiste de rue travaille dans un espace public soumis à des réglementations strictes. Sans contrat écrit, il risque l'expulsion par la police municipale, le non-paiement de son cachet par l'organisateur de festival, ou des litiges sur les droits d'image quand un passant filme et diffuse sa performance. Ce modèle formalise la relation avec la mairie ou l'organisateur.
Autorisations municipales et lieu de prestation
Le modèle précise le numéro d'autorisation municipale, le lieu exact de prestation (nom de la place, coordonnées GPS), les horaires autorisés, et la durée de l'autorisation. Il inclut une clause de non-concurrence : l'organisateur s'engage à ne pas programmer un artiste similaire au même moment sur le même emplacement.
Conditions météorologiques et annulation
Le modèle inclut une clause d'annulation pluie : si les conditions météo rendent la prestation impossible ou dangereuse (pluie, vent, neige), l'artiste peut annuler sans pénalité et reporter à une date ultérieure. Le matériel électrique (guitare amplifiée, sono) est couvert par une clause de sécurité électrique.
Rémunération et responsabilité civile
Le modèle couvre deux modes de rémunération : cachet fixe (forfait pour une prestation programmée) et rémunération à la pioche (données libres du public). Pour les festivals, un cachet minimum est garanti même si les donations sont faibles. La responsabilité civile est précisée : l'organisateur assure le site, l'artiste assure son matériel et sa propre sécurité.
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Fiche Technique Spectacle de Rue (Rider)
Ce rider technique est spécialement conçu pour les spectacles de rue et performances en espace public. Il détaille la surface de jeu nécessaire, les besoins en électricité (branchement sur prise publique ou groupe électrogène), l'accès en zone piétonne, les conditions sonores (haut-parleurs portables, sono ambulante), l'éclairage diurne ou nocturne, les conditions de sécurité (distance public, barrières), le stockage du matériel et l'accès aux sanitaires. À envoyer aux mairies, offices de tourisme et organisateurs de festivals de rue.
Pourquoi un rider pour le spectacle de rue ?
Les spectacles de rue ont des contraintes techniques très différentes des salles fermées : pas de prise électrique garantie, pas de scène surélevée, un public qui circule, des conditions météo changeantes. Sans fiche technique précise, l'artiste arrive sur place et découvre qu'il n'a pas d'électricité, que le sol est inadapté, ou que la sécurité n'est pas assurée. Ce modèle structure tous les besoins pour une communication claire.
Surface de jeu et accès
Le modèle précise : surface minimale (largeur x profondeur), type de sol (bitume, pavé, place piétonne, marché), accès pour le matériel (zone piétonne = interdiction de véhicule, nécessité de chariot), distance minimale avec le public (sécurité pour le jonglage, le feu, les mouvements amples).
Électricité et son
La partie électricité couvre : besoin en watts, type de branchement (prise publique 16A, groupe électrogène fourni par l'artiste ou l'organisateur), longueur de rallonge nécessaire. La partie son couvre : sono portable, haut-parleurs sur batterie, micro sans fil, volume maximum autorisé par la mairie.
Éclairage et sécurité
La partie éclairage couvre : spectacle de jour (pas besoin) ou de nuit (éclairage LED sur batterie, projecteur portable). La sécurité couvre : distance public, barrières si nécessaire, extincteur à proximité pour les arts du feu, présence d'un secouriste pour les numéros à risque.
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Contrat de Prestation Cabaret & Burlesque
Ce contrat de prestation est dédié aux artistes de cabaret, burlesque, cabaretistes, chanteuses de cabaret, drag queens, artistes de revue et performeurs de scène intimiste. Il couvre la rémunération avec échelle de tarification (ouverture, vedette, tête d'affiche), les droits d'auteur sur les numéros, chansons et chorégraphies originales, la cession des droits de captation et de diffusion, les clauses d'exclusivité de salle, les conditions techniques (micro filaire, scène intimiste, lumière tamisée), et les spécificités du costume (plumes, strass, paillettes). Un document essentiel pour tout artiste de cabaret.
Pourquoi un contrat spécifique au cabaret ?
Le cabaret est un art de scène intimiste où l'artiste est proche du public, souvent dans une salle à l'ambiance feutrée. Sans contrat, l'artiste risque de voir ses numéros filmés sans son accord, son cachet ne pas refléter son statut (ouverture vs vedette), ou ses conditions techniques ignorées (mauvais micro, lumière trop forte). Ce modèle protège l'artiste dans cet univers spécifique.
Échelle de tarification et statut
Le modèle propose une échelle de tarification claire : ouverture (artiste débutant ou invité), vedette (artiste confirmé du cabaret), tête d'affiche (star du cabaret). Chaque niveau a un cachet minimum indicatif. Le modèle inclut aussi les frais de costume, de maquillage et de coiffure qui peuvent être significatifs dans le cabaret.
Droits d'auteur et cession
Le cabaretiste est souvent auteur de ses chansons, chorégraphies et numéros. Le modèle précise que l'artiste conserve ses droits d'auteur et que toute captation ou diffusion nécessite son accord écrit. En cas de diffusion (TV, streaming), une rémunération complémentaire est négociée. Les costumes et accessoires sont la propriété de l'artiste sauf convention contraire.
Conditions techniques et costume
Le modèle détaille les besoins techniques propres au cabaret : micro filaire de qualité (pas de sans-fil qui coupe), scène intimiste (petite estrade ou au milieu du public), lumière tamisée et chaude (pas d'éblouissement), loge privée avec miroir et lumière de maquillage. La partie costume précie : plumes, strass, paillettes — fournis par l'artiste ou le cabaret, entretien et remplacement.